Nell'atrio di un edificio governativo DC, arte e politica dell'identità

Non è una sorpresa trovare politiche identitarie nelle gallerie di Washington. Musei, organizzazioni no-profit regionali e altri centri artistici si sono affrettati a fornire un maggiore accesso agli artisti provenienti da gruppi sottorappresentati, in particolare istituzioni che una volta ignoravano completamente la razza o la classe. Oggi i curatori intelligenti mettono questo impegno in primo piano. Le organizzazioni in tutto il paese stanno facendo lo stesso perno. La DC non è diversa.

Ma una cosa è sorprendente riguardo alla politica identitaria nell’arte di Washington: le mostre più stridenti si possono trovare visitando le istituzioni locali più affermate.

Un esempio è “Re/envisioning”, uno spettacolo collettivo sempre al passo con i tempi. Curata da Nicole Dowd e Allison Nance, la mostra riunisce le opere di sei artisti legati da una preoccupazione per l'identità, non semplicemente affermando la propria ma sfidando i rigidi sistemi che potrebbero definirli come altri. Non c'è un filo conduttore storico o un mezzo comune da trovare, ma una corrente sotterranea di malcontento radicale pervade questo spettacolo dalla mentalità accademica. È in mostra, stranamente, nell'atrio di un edificio governativo di Washington.

Il lavoro di Fargo Nissim Tbakhi è il più schiettamente politico. In un video, “Palestine Is a Futurism” (2022), un artista canta frasi che appaiono sullo schermo sopra un’installazione di tessuti. “Il sale marino è un internazionalismo”, “La fame è un neocolonialismo”, “Il cactus è un marxismo” e altre proposizioni che sembrano urgenti ma mistiche vengono cantate quasi come inni.

I pezzi di Tbakhi suggeriscono più filosofia che arte. Queste frasi sono variazioni surreali di un espediente retorico noto come kritik. Nel dibattito o nella filosofia, una kritik è una tattica per sfidare la mentalità di una convinzione basata sulla teoria critica sulle strutture sociali. Una critica marxista, neocolonialista o transfemminista funziona come uno strumento per ribaltare i normali parametri di un dibattito, per spingere un avversario ad affermare o rifiutare invece queste teorie critiche. Il lavoro di Tbakhi – sia il video che un'installazione delle sue poesie – è intrecciato con questa didattica.

Parte del lavoro in “Re/envisioning” si basa così fortemente sulla pratica sociale che l’artigianato in mostra può sembrare un lontano ripensamento. "What Is Something You Always Wish I Asked and Knew About You" (2023) di Adele Yiseol Kenworthy presenta bouquet floreali insieme a istantanee di famiglia le cui figure sono state ritagliate. Il senso di nostalgia familiare in questi collage è palpabile. Eppure l’artista ha anche inquadrato le sue composizioni floreali come un atto di protesta politica o di azione collettiva. Questa è una nozione completamente diversa, che fa sembrare arbitrari i collage di “Re/envisioning”.

I progetti di Antonio McAfee e Stephanie J. Williams brillano in “Re/envisioning”. La serie "Through the Layers" di McAfee (2017-2019) trasforma i ritratti fotografici dell'era della ricostruzione di figure nere tratti da collezioni d'archivio assemblate dall'autore WEB Du Bois e dal giornalista Thomas Calloway in collage 3D stereoscopici. L’effetto visivo rosso e ciano intenzionalmente imperfetto rende difficile vedere veramente questi ritratti, anche indossando occhiali 3D: una potente espressione del tema dell’invisibilità che attraversa la ritrattistica nera. Anche le inquietanti animazioni stop-motion di Williams si rivelano ambigue. "Hospes" (2022) trova una raccolta di pupazzi vermi e disadattati intrappolati all'interno di un cerchio di porte che continuano a chiudersi davanti a loro. Uno spettatore potrebbe riconoscere nel titolo la radice latina di ospitalità, ma questa comprensione non è necessaria per comprendere il video. Il suo lavoro fa sentire profondamente allo spettatore il soffocante orrore corporeo di essere frainteso.

Tutto il testo a muro in “Re/envisioning” impedisce alle opere di parlare da sole, anche quando il loro significato è chiaro – o, cosa più importante, quando le possibilità sono molte. “Sonic Fracture” (2023) è un pezzo di una serie di performance in corso di Stephanie Mercedes in cui l’artista fonde bossoli e pistole in una fonderia e rifonde il metallo come semplici campane. È un progetto dalle spade agli aratri, risonante e accessibile, che si traduce in piccole, imperfette sculture minimaliste. Il suo lavoro rimanda a Richard Serra e Lynda Benglis, artisti che hanno rivoluzionato le sculture in fusione lanciando e versando materiali fusi; più letteralmente, queste campane parlano del bilancio della violenza armata nel distretto.